Libertà emotiva e lavoro su se stessi, visti attraverso gli occhi di una delle eroine letterarie più amate di tutti i tempi: Jane Eyre.

Il sesto #bookdocet è dedicato a un libro immenso, dal messaggio rivoluzionario per il tempo in cui è stato scritto (1847): una donna può essere e fare tutto quello che desidera, a dispetto delle sue fragilità, anzi, in virtù delle sue fragilità – stò parlando, ovviamente, del capolavoro di Charlotte Brontë, Jane Eyre.

La quote che ho scelto è la seguente:

Posso vivere sola, se il rispetto per me stessa e le circostanze me lo richiederanno. Non mi è necessario vendere l’anima per comprare la felicità. Ho un tesoro interiore, nato insieme a me, che può mantenermi viva anche se tutti i piaceri esterni mi verranno negati; o offerti ad un prezzo che non potrò accettare.

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Il messaggio forte e chiaro che io ne traggo è questo: una volta che abbiamo costruito dentro di noi un tesoro interiore abbastanza florido e solido, una volta che abbiamo lavorato abbastanza su di noi, la nostra psiche e la nostra visione del mondo da raggiungere l’indipendenza emotiva, non abbiamo più bisogno di vendere l’anima per comprare la felicità.

La conclusione è sempre la stessa: lavora sulla tua interiorità (e, ovviamente, leggi Jane Eyre).

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Jane Eyre, Charlotte Brontë, Einaudi, 593 p.

La recensione di questa settimana è dedicata ad un libro che mi ha profondamente sorpresa, un classico d’avventura che ho scoperto essere molto più introspettivo, femminile e profondo di quanto ci si potrebbe aspettare da un’avventura in mare: La linea d’ombra.

La linea d’ombra è il momento di passaggio dalla giovinezza alla maturità, la presa di coscienza della propria indipendenza e responsabilità. Questo libro è il racconto romanzato della reale esperienza di Conrad, il personale passaggio attraverso la sua linea d’ombra«[…] essa è esperienza personale vista in prospettiva con l’occhio della mente».

Il protagonista, giovane annoiato e cinico che aveva già deciso di abbandonare la vita di mare, si ritrova improvvisamente e inaspettatamente nominato capitano di una nave.

– Là! Quella è la vostra nave, capitano, – disse.

[…] qualsiasi cosa lui pensasse della nave, sapevo che, al pari di alcune rare donne, essa era una di quelle creature la cui semplice esistenza è sufficiente a suscitare un diletto disinteressato. Uno sente che è bello essere al mondo, quel mondo in cui essa esiste.

Il suo primo viaggio come capitano si rivela però un’odissea: l’intero equipaggio, a parte lui e il bel Ransome, cuoco della nave malato di cuore, si ammala di febbre tropicale e a bordo non ci sono medicine per poterlo curare; inoltre per settimane si ritrovano in una bonaccia terribile che non permette alla nave di avanzare, mentre il primo ufficiale inizia a delirare riguardo al precedente capitano, che avrebbe gettato una maledizione sulla nave…
Il capitano si ritrova così in una duplice tempesta: quella fisica, reale, e quella interiore, attanagliato dalla paura, dall’insicurezza e dai sensi di colpa per la sua ciurma di moribondi bloccata in mare aperto.

[…] e io stavo ritto in mezzo a loro come una torre di energia, inaccessibile alla malattia, sensibile soltanto al male della mia anima.

Ho iniziato La linea d’ombra piena di pregiudizi, pensavo che si trattasse di un libro totalmente maschile, il genere di libro che mi annoia a morte: non una donna in tutto il romanzo, niente pathos o sentimento, solo una ciurma di marinai e un’avventura in mare. Avevo ragione e torto.

Oltre a tutto questo il libro ha anche una parte femminile: leggendolo si percepisce che il viaggio racontato da Conrad è, oltre che fisico – forse più che fisico – interiore. L’odissea in mare che il protagonista attraversa non è che una mera metafora di quella interiore, niente più che un pretesto usato dall’autore per parlare della vera linea d’ombra, quella dell’anima. L’intero libro è una magnifica sovrapposizione di realtà fisica e interiore, la caratteristica che rende il libro così bello e universalmente condivisibile.

Forse se Conrad avesse intitolato questo libro Primo comando al posto de La linea d’ombra, come per lungo tempo ha avuto intenzione di fare, non avrei avuto questa sensazione decisiva: sono contenta che non l’abbia fatto.

Non posso non concludere questo post con la magnifica canzone che Jovanotti ha scritto ispirandosi a questo libro, anche se «è un racconto, in realtà, non è una canzone» ♥

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La linea d’ombra, Joseph Conrad, Einaudi, 138 p.

Lezioni sulla vita e il fallimento da uno dei più amati personaggi della letteratura per l’infanzia di tutti i tempi: Anna dai capelli rossi.

Il quinto #bookdocet è tratto da un libro che mi è piaciuto così tanto che è diventato il nome del mio blog: Anne of Green Gables ovvero Anna dai capelli rossi.

La cosa che più mi ha colpita di questo libro, ancora più del talento di Lucy Montgomery, sono le lezioni di vita nascoste (ma neanche tanto) ad ogni riga. Come tutta la grande letteratura, questo libro insegna a vivere. Senza retorica, senza moralismi o pedanteria – solo attraverso l’esempio (l’unico modo valido di insegnare) di un personaggio eccezionale.
Anna è l’incarnazione del pensiero positivo, della gratitudine apparentemente immotivata, della comunione con l’Universo – e insegna tutte queste cose al lettore come difficilmente un libro di saggistica riuscirebbe a fare: è la forza della letteratura.

Una delle più belle lezioni contenute in questo piccolo capolavoro è il #bookdocet di oggi:

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La nostra cultura ci ha abituati a pensare al fallimento come a qualcosa di negativo e definitivo, come una marchio d’infamia che ci seguirà per sempre. In realtà, un fallimento non è mai negativo e non è mai definitivo: è semplicemente l’opportunità di riprovare, questa volta dalla posizione avantaggiata di chi ha più esperienza.

Failure is a bruise not a tattoo. – Jon Sinclair

La recensione di questa settimana è dedicata ad un libro-bussola che ha aiutato milioni di donne a ritrovare la strada di casa: ovviamente, parlo di Mangia prega ama.

Volevo le gioie del mondo e la trascendenza – il duplice splendore di una esistenza pienamente umana. Volevo quello che i greci antichi chiamavano kalòs kai agathòs, l’equilibrio tra ciò che è buono e ciò che è bello.

Mangia, prega, ama è uno dei miei libri del cuore – e mentre lo dico mi sembra di sentire un coro di voci scettiche che si alza: è un romanzo fortemente criticato, per molti motivi diversi, tutti discutibili: da quelli che “se un libro ha fatto i soldi allora sicuramente è spazzatura e l’autore è un venduto” (teoria vera spesso ma non sempre), da quelli che “queste stronzate da fricchettoni new age non fanno per me”, da quelli che “che banalità, viaggiare per ritrovare sè stessi”, ai migliori, gli italiani permalosi che si offendono perchè l’immagine che ne esce di noi è di un popolo di “mangioni, bevoni, mammoni” (falso, il ritratto della Gilbert è fin troppo roseo).

La trama è ormai celebre (grazie anche all’omonimo film del 2010 con Julia Roberts): Elizabeth ha 31 anni, un marito, una grande casa alla periferia di New York, una brillante carriera da scrittrice, e una certezza: Non voglio più essere sposata. E fin qui, niente di nuovo. Quello che è nuovo, e coraggioso, e degno di avere un libro a raccontarlo, è il modo in cui Liz ha deciso di reagire a questa consapevolezza (e al conseguente, disastroso divorzio, seguito da un’altra relazione altrettanto dolorosa): decide di partire per un viaggio lungo un anno, diviso tra Italia, India e Indonesia, alla ricerca della serenità e dell’equilibrio interiore.

Il libro è diviso in tre parti, una per ogni stato visitato, e in 108 brevi capitoli, tanti quante le perline degli japa mala, le collane utilizzate dagli yogi come aiuto per mantenere la concentrazione durante la meditazione. Le tre parti sono ugualmente belle quanto diverse: calda e colorata quella dedicata all’Italia, lenta, profonda e riflessiva quella indiana, passionale e liberatoria quella ambientata a Bali.

[Kenut] Mi mostrò uno schizzo che aveva eseguito durante la meditazione: una figura umana androgina, in piedi, con le mani congiunte in preghiera. Ma quella figura aveva quattro gambe, e al posto della testa un groviglio di foglie e fiori selvatici. Sul cuore era disegnato un piccolo viso sorridente.
«Per trovare l’equilibrio che stai cercando» mi rispose Kenut attraverso l’interprete «devi diventare così. Devi tenere i piedi ben piantati a terra, come se avessi quattro gambe. In questo modo puoi vivere nel mondo, ma devi smettere di guardarlo con la testa, devi guardarlo con il cuore. Così conoscerai Dio.»

Liz è simpaticissima, incasinata, tenera, imbranata, a volte superficiale, a volte profonda, ma sempre vera, e racconta se stessa con una sincerità e un’autoironia disarmanti: la naturalezza con cui racconta imbarazzanti aneddoti che i più farebbero di tutto per tenere ben nascosti non finiva di stupirmi e, ovviamente, mi divertiva da morire.

È un libro che non ha l’intenzione nè la pretesa di proporre soluzioni originali, o intelligenti, o innovative: vuole solo raccontare. Il percorso della Gilbert non può essere giudicato in nessun modo, è semplicemente il suo percorso, quello che ha scelto, voluto, amato, che sentiva giusto per sè stessa. E non è un libro per tutti: evitatelo se cercate un romanzo rosa, evitatelo se siete chiusi rispetto alla spiritualità e alle religioni orientali, evitatelo se non volete che la vostra routine sia scossa dal racconto di chi ha avuto il coraggio di lottare e non arrendersi all’infelicità.

Oltre la godibilità, oltre la simpatia dell’autrice, il grosso pregio di questo libro non è quello di fornire una strada giusta, o originale, ma di ispirare, di mostrare che c’è una strada, sempre, anche quando le cose sembrano senza speranza. Questa è quella di Liz, ed è meravigliosa. Buona lettura.

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Mangia prega ama, Elizabeth Gilbert, Rizzoli, 376 p.

Nel #bookdocet di questa settimana Amélie Nothomb ci parla, ebbene si, di darsela a gambe.

Il quarto #bookdocet è tratto dall’incredibilmente delizioso Né di Eva né di Adamo di Amélie Nothomb, libro autobiografico, racconta gli anni trascorsi da Amélie in Giappone, e in particolare la sua storia d’amore con Rinri, un ragazzo del luogo.

Si parla di movimento, e quindi cambiamento:

Lo spazio ci libera da tutto. Non c’è tormento che resista all’espansione di sé dell’universo. Il mondo sarebbe così grande per niente? La lingua dice una cosa giusta: darsela a gambe vuol dire salvarsi. Se stai morendo, scappa. Se stai soffrendo, datti una mossa. Non esiste altra legge che il movimento.

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Questa bellissima quote me ne porta alla mente un’altra, di Jim Rohn:

If you don’t like how things are, change it! You‘re not a tree.

Il messaggio è chiaro: accettare situazioni che ci fanno soffrire o non sono adatte a noi è folle. Quale che sia la situazione in cui ci troviamo, non è mai una condanna, non è mai immutabile, e noi abbiamo sempre il potere di darci una mossa.

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Né di Eva né di Adamo, Amélie Nothomb, Voland, 170 p.

侘  wabi – semplicità, silenzio, eleganza non ostentata

寂  sabi – la bellezza originata dallo scorrere del tempo su una persona o su un oggetto: vecchiaia, usura, riparazioni evidenti

Il wabi-sabi è l’antica arte giapponese di saper vedere la bellezza nell’imperfezione; deriva dal concetto buddhista di transitorietà delle cose secondo il quale tutto è imperfetto, mutevole e incompleto, ed esalta la bellezza dei difetti e dell’irregolarità che diventano simboli di unicità.

Nella definizione di Leonard Koren, di cui vi parlo tra pochissimo:

«Il wabi-sabi è l’aspetto più evidente e caratteristico di quella che noi consideriamo la bellezza giapponese tradizionale, e nel pantheon giapponese dei valori estetici occupa pressappoco lo stesso ruolo che noi occidentali attribuiamo agli ideali greci di bellezza e perfezione.»

Lo trovo un magnifico modo di guardare il mondo, le cose, le persone – il perfetto antidoto agli ideali Occidentali di bellezza perfetta e senza macchia, tanto radicati in profondità nella nostra cultura quanto inadatti e innaturali nel nostro mondo per definizione imperfetto.

Riuscite ad immaginare di vivere in un mondo che non solo accetta, ma celebra l’imperfezione?

Dato il mio carattere perfezionista, un pò control freak, molto esteta, e quindi naturalmente portato alla (inutile ed estenuante) ricerca della perfezione, fare mia la filosofia wabi-sabi è qualcosa che somiglia molto alla necessità.

Mi sono prevedibilmente procurata dei libri a riguardo e il post di oggi ne è il risultato: vi parlo di due libri che applicano il wabi-sabi a due ambiti diversi ma ugualmente universali: l’amore e l’arte.

 

Il primo è Wabi sabi love – Come trovare equilibrio e bellezza nell’amore (im)perfetto di Arielle Ford. Ora, è chiaro che un libro che parla di filosofia orientale applicata alle relazioni sentimentali (per chi non mi conoscesse: due degli argomenti che più mi esaltano – si, esaltano – e su cui più ho letto) chiamava a gran voce il mio nome – con questa copertina poi, l’avete vista la copertina?!

L’intuizione della Ford di applicare la filosofia wabi-sabi alle relazioni sentimentali è assolutamente vincente. Riuscite a pensare ad un ambito in cui sia di più vitale importanza riuscire ad accettare – anzi, amare – le imperfezioni altrui?

Quando ho letto questo libro per la prima volta, nel 2012, non avevo particolarmente apprezzato il modo in cui il tema viene sviluppato: quasi esclusivamente attraverso testimonianze e racconti di coppie che sono riuscite a vivere secondo la filosofia wabi sabi, e questo, insieme al fatto di essere ancora acerba per digerire la spiritualità che di tanto in tanto fa capolino nel testo, mi aveva guastato la lettura.

La seconda lettura, per scrivere questo post, è stata invece decisamente più soddisfacente: la spiritualità non mi spaventa più, e ho trovato che la scelta di affidare il messaggio del libro a storie vere sia estremamente azzeccata, forse l’unica possibile.

Ma la cosa che adoro di questo libro è l’estrema concretezza e fattibilità: spesso i manuali di questo tipo si perdono nella psicologia e nella filosofia, dimenticandosi di andare oltre l’astrazione e di fornire esempi e soluzioni concrete. Wabi sabi love, no – i consigli dell’autrice sono estremamente pratici e facilmente applicabili, e, ciò che più conta, efficaci. Da leggere.

Quando vi scoprite a notare le crepe del vostro partner, chiudete gli occhi e immaginate di riempire quelle crepe con l’oro.

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Photo courtesy of David Pike

Il secondo libro di cui vi parlo è Wabi-sabi per artisti, designer, poeti e filosofi, libriccino di una settantina di pagine ma dal contenuto molto denso, ideale se volete approfondire il concetto di wabi-sabi (anche se non siete artisti, designer, poeti o filosofi).

Sono molto affezionata a questo libretto per via del modo in cui è arrivato a me: qualche anno fa ho contattato un gentilissimo utente di aNobii che possedeva questo e un altro libro che mi intrigava molto, Sun Tzu e l’arte della seduzione, proponendogli uno scambio con due libri della mia libreria; lui è stato così gentile da inviarmi i due libri senza chiedere niente in cambio, e per di più ha aggiunto nel pacchetto due meravigliosi segnalibri scritti a mano (senza contare che anche la carta in cui li aveva avvolti era completamente scritta a mano, carta che ho strappato aprendo il pacchetto rendendola involontariamente una perfetta opera wabi-sabi). È stato uno dei rari atti di gentilezza totalmente disinteressata da parte di uno sconosciuto a cui abbia mai assistito ♥

Ritornando al libro – approfondisce molto bene la filosofia wabi-sabi, spiega accuratamente il contesto storico e culturale in cui si è sviluppato, fà un interessante parallelismo con il modernismo… ma è freddo. Accademicamente freddo. Non è ovviamente un difetto oggettivo, ma se come me avete bisogno di sentire un contatto emotivo con un libro e il suo autore per arrivare ad amarlo, vi lascerà con un pò di amaro in bocca. Se invece apprezzate l’approccio “scientifico”, questo è il libro che fa per voi.

Wabi-sabi significa muoversi leggeri per il mondo, imparando ad apprezzare qualsiasi cosa incontriamo, per quanto sia insignificante, in qualsiasi momento.

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Wabi sabi love – Come trovare equilibrio e bellezza nell’amore (im)perfetto, Arielle Ford, Leggereditore, 203 p.

Wabi-sabi per artisti, designer, poeti e filosofi, Leonard Koren, Ponte alle Grazie, 92 p.

Eccoci al terzo #bookdocet! (traduzione per chi si connette per la prima volta: sproloqui della sottoscritta su tutte le cose belle che i libri mi hanno insegnato nella mia vita da lettrice ♥)

La citazione di oggi è tratta da un pamphlet – piccolo piccolo per quanto riguarda il numero di pagine, gigantesco circa il contenuto – che ho letto questo inverno: Discorso della servitù volontaria di Étienne de La Boétie, filosofo francese, grande amico di Michel de Montaigne.

L’argomento – la libertà – mi stà così a cuore ed è un agomento di così vitale importanza che ho timore a parlarne: fisso lo schermo, scrivo qualche parola, cancello, ricomincio.

Discorso della servitù volontaria è stato scritto nel 1549, quando Étienne aveva, ebbene si, 18 anni.

Il contenuto è di quelli esposivi, che come minimo ti fanno riflettere, molto più probabilmente ti scuotono. De La Boétie sostiene che la sottomissione ad un tiranno è una scelta, in quanto egli ha solo il potere che i sudditi decidono di concedergli. L’uomo, nato libero e destinato alla libertà, sceglie, per debolezza e abitudine, la schiavitù. Il Discorso è una denuncia verso tutti i meccanismi psicologici e sociali che portano l’individuo a sopportare senza proteste il dominio della società.

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Decidetevi a non servire più, ed eccovi liberi. Non voglio che lo abbattiate o lo facciate a pezzi: soltanto, non sostenetelo più, e allora, come un grande colosso cui sia stata tolta la base, lo vedrete precipitare sotto il suo peso e andare in frantumi.

 

Ma costoro vogliono servire per avere delle ricchezze: come se qualcosa potesse mai appartenere a chi non può dire di appartenersi;

Proprio come accade ai migliori cavalli da battaglia, che all’inizio mordono il freno e poi ci prendono gusto, che prima recalcitrano sotto la sella, poi invece si addobbano di finimenti e, tutti fieri, si pavoneggiano nella loro bardatura. Così gli uomini dicono di essere sempre stati sottomessi, perchè così hanno vissuto i loro padri; pensano di essere tenuti a sopportare il male, se ne convincono a forza di esempi, e gettano loro stessi, con il passare del tempo, le fondamenta del potere di chi li tiranneggia. Ma lo scorrere degli anni, in verità, non conferisce a nessuno il diritto di fare del male, aggrava se mai l’ingiustizia. Così c’è sempre qualcuno, nato meglio degli altri, che sente il peso del giogo e non può fare a meno di scuoterlo; che non si lascia mai addomesticare dalla sottomissione e che, come Ulisse, che per mare e per terra sempre cercava di scorgere il fumo del suo focolare, non può mai trattenersi dal pensare ai suoi privilegi naturali, dal ricordarsi dei suoi precursori e della loro condizione. Sono spesso e volentieri individui del genere, dalla mente lucida e dallo spirito chiaroveggente, che non si accontentano, come fa il grosso della plebe, di guardare solo quello che sta davanti alla punta dei loro piedi. Pensano invece a quanto sta dietro e davanti, ricordano le cose passate per giudicare quelle del tempo a venire e trovare la misura di quelle presenti; sono quelli che, avendo già di per se una bella testa, l’hanno ulteriormente affinata con lo studio e la cultura. Costoro, quand’anche la liberta fosse per intero perduta e scacciata dal mondo, riuscirebbero a immaginarla e a sentirla nella loro mente, ad assaporarla ancora; la servitù non è mai di loro gusto, per bene che la si addobbi.

Se dovessi riassumere in poche parole il Discorso, sarebbero queste: la libertà è una scelta.

Concludo con una citazione di Emma Goldman, anarchica russa che certamente aveva letto De La Boétie:

People have only as much liberty as they have the intelligence to want and the courage to take.

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Discorso della servitù volontaria, Étienne de La Boétie, Feltrinelli, 125 p.

«Basta appena sfiorare quei vecchi romanzi dimenticati e ascoltare il tono di voce in cui sono scritti per intuire che la scrittrice stava compiacendo la critica; diceva questa cosa con tono aggressivo, quell’altra con tono conciliatorio. Ammmetteva di essere “soltanto una donna”, oppure protestava di essere “brava quanto un uomo”. Faceva fronte alla critica come il suo temperamento le dettava, con docilità e timidezza oppure con rabbia e veemenza. Non importa quale delle due; lei pensava ad altro che non alla cosa sulla quale stava lavorando. Ecco che il suo libro ci cade sulla testa. Aveva un difetto, proprio al centro. […] L’autrice aveva alterato i propri valori per condiscendeza verso l’opinione degli altri.
Ma come deve essere stato difficile per loro non spostarsi nè a destra nè a sinistra. Quale ricchezza d’ingegno, quale integrità deve essere stata necessaria per fronteggiare tutta quella critica, nel cuore di quella società totalmente patriarcale, per tenersi saldamente attaccate alle loro convinzioni senza deflettere. Soltanto Jane Austen riuscì a farlo, e poi Emily Brontë. Il che aggiunge un’altra piuma, la più bella, forse, al loro copricapo. Scrivevano come scrivono le donne, non come scrivono gli uomini.» Una stanza tutta per sé – Virginia Woolf

«L‘artista più perfetta tra le donne» – così Virginia Woolf descrive Jane Austen; tra le donne e per le donne, aggiungo io. Non so se succeda solo a me (ne dubito), ma poche cose mi regalano un piacere più prettamente femminile, poche cose mi distendono e mi mettono in pace con il mondo e con me stessa come leggere Jane Austen. Poche cose si adattano in modo così ideale al mio essere donna.

Il più grande merito che la Woolf le riconosce – e non potrei essere più daccordo, e non esiste merito più grande – è l’essere sempre stata fedele a sè stessa, e al suo essere donna. Essere fedeli a se stessi – che significa non alterare il proprio essere più autentico per compiacere l’opinione altui o adattarsi alla società – lo sappiamo, è difficile sempre, anche nella nostra in teoria moderna, in teoria progressista società, deve essere stata un’impresa al limite dell’eroico per una donna, nella società ancora completamente patriarcale di fine ‘700 – donna, e che volesse, per di più, scrivere – attività che fino a quel momento poteva essere svolta da una donna solo in privato, se non in segreto.

La Austen ha iniziato la stesura di Ragione e sentimento – inizialmente intitolato Elinor and Marianne e concepito come un romanzo epistolare – alla giovane età di 20 anni (!), ma fu pubblicato per la prima volta, anonimo, solo sedici anni dopo.
Inutile parlare della trama, che va scoperta leggendolo, dirò solo che il tema di fondo è la contrapposizione tra sense – la ragione, rappresentata dalla equilibrata, stoica Elinor – e sensibility – il sentimento, incarnato dalla impetuosa Marianne.

Marianne Dashwood era nata con un destino straordinario. Era nata per scoprire la falsità delle proprie opinioni, e per contraddire, con la sua condotta, le sue massime favorite.

Universalmente posizionato un gradino sotto il perfetto Orgoglio e pregiudizio, in Sense and sensibility non mancano comunque tutti i fattori che fanno dalla Austen una Grande: la psicologia dei personaggi è magnificamente caratterizzata, impeccabile (e qui sento l’eco delle parole di Virginia: “scriveva come scrivono le donne”, perchè cosa c’è di più puramente femminile dell’analisi psicologica e dell’attitudine per l’interiorità?), i dialoghi magistrali e elegantissimi, il tutto condito da uno sense of humor tagliente e impietoso.

Inoltre, lasciatemi dire per quanto possa risultare bizzarro, ancora una volta nel finale mi ha ricordato Agatha Christie, e in generale i romanzi gialli: il modo in cui i nodi vengono al pettine, in cui i personaggi mostrano il loro vero essere, in cui tutti i misteri vengono svelati e la verità viene a galla è tipico delle conclusioni dei romanzi gialli. Ecco, se dovessi descrivere i libri della cara Jane lo farei così: dei magnifici gialli-rosa, in cui l’oggetto di investigazione sono i sentimenti.

Il secondo #bookdocet è forse il mio preferito tra quelli che ho preparato finora, perchè introduce un concetto di capitale importanza, uno di quei concetti che sono così rivoluzionari e fuori dal senso comune che la prima volta che li senti ti appaiono folli …

Poi piano piano incominciano ad acquistare senso, e alla fine, quando li capisci pienamente e li fai tuoi, ti cambiano la vita.

Il brano è tratto da uno dei libri più belli che ho letto nell’ultimo anno, L’isola di Arturo di Elsa Morante:

Allora, a conclusione dei miei discorsi, io ripresi a dire, battendo la copertina degli Eccellenti Condottieri col rovescio della mano:
– Questo qui non è un libro di racconti inventati, è proprio storia vera, è scienza! I condottieri storici, pure i più famosi come Alessandro di Macedonia, non erano persone fatate (le persone fatate sono favole); erano persone uguali a tutte le altre in tutte le cose, fuorchè nei pensieri! Uno, per principiare a essere come loro, e anche meglio di loro, deve prima tenere nella mente certi veri, grandi pensieri…

Riassumendo, il concetto life changing che Arturo ci trasmette con il suo consueto furore è questo: il Mondo è stato fatto da persone come te e me.

Ma non si ferma qui – ci spiega anche qual’è, quest’unica differenza tra un Alessandro Magno e chi il mondo finisce invece per non cambiarlo, ed è questa: i pensieri.

I nostri pensieri sono tutto, tutto. Finiamo per ottenere ciò che pensiamo di poter ottenere. Finiamo per essere quello che pensiamo di essere.

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Ma non è finita. Una volta accettato questo concetto – e non è facile – la logica conseguenza è arrivare a quest’altra conclusione – ancora più apparentemente folle, ancora più fuori dal senso comune (come tutte le idee grandi), ancora più radicale e in grado di rivoluzionare la vostra vita una volta che l’avrete capita davvero. Sedetevi e mettetevi comodi: ogni volta che volete cambiare qualcosa nella vostra vita – qualcosa di concreto: lavoro, condizione economica, sentimentale, qualsiasi cosa – dovete cambiare i vostri pensieri a riguardo.

Ebbene, è così: il mondo fisico non è altro che una conseguenza, un riflesso del vostro mondo interiore. Cambiate i vostri pensieri e cambierete la vostra vita. 

Dal momento che il mondo materiale non è altro che un riflesso del mondo interiore, quando il mondo esterno smette di piacerci è questo mondo interiore che deve essere aggiustato, messo a punto e sfrondato […]
Quando vi preparate ad uscire e volete essere al vostro meglio, probabilmente vi date un’occhiata allo specchio […] Ora, durante tutti questi preparativi, quando cogliete le cose che hanno bisogno di attenzione, allungate forse la mano a ritoccare il riflesso?

Mike Dooley, L’arte di far accadere le cose

L'isola di Arturo, Elsa Morante, citazione

E per concludere, chi meglio di Steve Jobs poteva parlarci di persone fatate?

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L’isola di Arturo, Elsa Morante, Einaudi, 380 p.

La creatività richiede coraggio – Henri Matisse

Questa quote di Matisse – avendo frequentato l’Istututo d’Arte e un’università altrettanto creativa, per non parlare del mio perenne vagabondare sul web – si è ripresentata a me molto spesso, ma credo di non averla capita fino a poche settimane fa, quando dopo anni di totale digiuno dall’arte non digitale, ho ripreso in mano matite e pennelli (qui sotto i risultati!)

Credo che per ogni persona questa frase possa acquistare un diverso significato, per me, la creatività richiede coraggio perchè creare qualcosa, di qualsiasi natura, significa scontrarmi con il mio iper esisgente senso estetico, e uscirne quasi sempre perdente: quello che produco non è quasi mai all’altezza di quello che lui pretende.

Fortunatamente l’Universo mi è venuto in aiuto facendo sì che mi imbattessi a breve distanza di tempo in un video e una quote su Instagram che mi hanno portato lo stesso, importantissimo messaggio.

Il video in questione è Understanding The Gap, di Alex Ikonn, imprenditore e ‘life coach’ il cui canale consiglio appasionatamente. La bellissima quote calligrafica che ho trovato su IG è della talentuosa Ali Makes Things:

pensieri-sulla-creatività

Entrambi si riferiscono a questo illuminante discorso di Ira Glass che spiega un concetto di vitale importanza per chiunque svolga un lavoro creativo: il nostro buon gusto, o senso estetico, è quello che ci ha portato a scegliere un lavoro creativo, ma nello stesso tempo è ciò che potrebbe farci mollare.

Per almeno i primi due anni di pratica, il nostro lavoro non sarà mai all’altezza del nostro senso estetico, nè dei lavori di altri artisti con più esperienza, ed è a questo punto che la maggior parte delle persone mollano. Ed è per questo che è importante capire il gap.

Il gap che vedi tra il tuo lavoro e quello di altre persone non esiste perchè hai meno talento, ma solo perchè hai meno esperienza. Il gap si colma con il lavoro, il sudore, l’allenamento, la costanza.

Quindi, se stai pensando di mollare, tieni duro un altro pò.

Riporto questa bella rappresentazione visuale del discorso di Glass, e il video di Alex Ikonn, buon visione 🙂

 Gloria